Su guión fue rechazado 44 veces, todos los estudios, en algún momento, le dijeron no. Sus creadores venían de tres fracasos consecutivos. El actor principal debió ser cambiado en medio del rodaje y todas las tomas debieron filmarse de nuevo. El auto que eligieron como máquina del tiempo había también sido un fiasco en el mercado. El camino para convertirse en un clásico.

El 3 de julio de 1985 se estrenó en Estados Unidos una película que, a priori, no despertaba grandes expectativas. Sus creadores habían recibido demasiados rechazos, sus últimas películas habían fracasado en la taquilla, no contaba con súper estrellas, el actor principal provenía de la televisión y no tenía prestigio y se enfrentaba a grandes clásicos. Sin embargo, esa película logró un enorme impacto. Encabezó las recaudaciones ese años y consiguió unanimidad en la crítica.

Volver al Futuro es un clásico moderno. Invencible y entrañable, se renueva con cada revisión. A 35 años de su estreno sigue manteniendo toda su frescura y su gracia. Un gran guión, personajes queribles, un actor que es un maestro del timing, buenos gags, recuerdos atesorados por los espectadores. La magia del cine.

Casi no existen las películas que no enfrentan dificultades antes de su rodaje. En la industria del cine en la que se involucran tantos millones de dólares y tantas personas lo más habitual es que los proyectos sucumban en alguna etapa previa. Pero que una película sin demasiadas expectativas previas, con decenas de rechazos anteriores y reemplazo del actor principal cuando ya se llevaba rodado un tercio del metraje, se convierta en un clásico instantáneo y en un tanque en la taquilla, es algo que sucede con poca frecuencia.

Muchos especialistas sostienen que el guión de Volver al Futuro es uno de los más perfectos alguna vez escritos. Actualmente se enseña en las escuelas de cine. Sin embargo, antes de llegar a ser filmado debió soportar 44 rechazos. Cada uno de los estudios cinematográficos de su tiempo lo desechó. Aunque se debe ser justos: la mayoría admiraba su construcción, la frescura de los personajes, la originalidad de las ideas. Pero nadie se animaba a producirlo.

Para película de ciencia ficción le faltaba, respecto a otros exponentes de su tiempo, mundos exteriores y enigmáticos, una idea de la vida en el futuro, excusas para bombásticos efectos especiales (la película tiene muy pocos efectos especiales). Para comedia pecaba de naif. Le faltaba ese tono subido que se venía imponiendo desde Colegio de Animales y La venganza de los Nerds hasta Porky’s o Despedida de Soltero. O la velocidad de los films cómicos repletos de gags como Dónde está el piloto (ese género que podemos llamar “Mel Brooks en ácido”). A la mayoría de los ejecutivos les parecía una historia desarrollada de una manera demasiado blanca, demasiado naive.

Cada vez que terminaba una reunión con los ejecutivos de los estudios, estos se despedían aconsejando a los guionistas: “Llévenlo a Disney”. Al final, hicieron caso y concertaron una reunión en Disney. El encuentro fue el más corto de todos. Apenas se sentaron, un alto ejecutivo de la firma con cara de pocos amigos les escupió: “¿Ustedes están locos? ¡Esto es Disney! ¿Cómo vamos a producir una película que se trata de un incesto entre madre e hijo? La madre besando al hijo en el auto: eso es horrible”.

Robert Zemeckis y Bob Gale habían empezado a escribir el guión un lustro antes del estreno de la película. Era el cuarto gran proyecto que encaraban juntos. Los tres anteriores habían resultado un fracaso de público. Se conocieron en la universidad mientras estudiaban cine y rápidamente formaron dupla creativa. Algunos de sus compañeros fueron George Lucas, John Millius y John Carpenter. Comenzaron escribiendo algunos capítulos para anquilosados programas televisivos. Les ofrecieron un largo contrato que terminaría con sus penurias económicas, pero no aceptaron. Ellos querían hacer películas.

En 1978 Zemeckis dirigió la encantadora I Wanna hold your hand, una original mirada sobre la Beatlemanía. Los resultados de las proyecciones previas de ese film fueron apoteóticos, se esperaba un gran éxito, pero, una vez estrenada, nadie fue a verla. Luego, también escrita por ambos y dirigida por Zemeckis, hicieron Used Cars. Suceso de crítica y fracaso económico. La gran oportunidad del pareció llegar con el guión de 1941, la comedia de Steven Spielberg. Tenían a su cargo el guión de la película del director más exitoso y popular con un elenco de estrellas cómicas en su apogeo a disposición; esa era una apuesta segura, casi infalible. Casi. El resultado para Gale y Zemeckis fue pésimo: el primer fracaso de Spielberg.

Con estos antecedentes no les resultaba fácil lograr filmar Volver al Futuro. Zemeckis aceptó un encargo. Una comedia ligera, de aventuras, una especie de Indiana Jones clase B: En busca de la Esmeralda perdida. Y ahí tuvo su primer e inesperado éxito. Eso abrió la puerta para su postergado proyecto.
Los viajes en el tiempo los obsesionaban. Estaban convencidos de que eran un gran tema para un film. Una tarde que en su casa paterna, Bob Gale se puso a revisar viejos papeles y encontró los anuarios escolares de su padre. Allí descubrió que su papá había sido el presidente de su curso. Pensó si sería como los presidentes que él conoció en el colegio. Si su papá sería un nerd, si hubieran podido ser amigos, qué gustos compartirían. Ese fue el germen de Volver al Futuro, un joven entrometiéndose en la adolescencia de sus padres, siendo testigo de cómo se movían en su juventud, en el colegio, con sus amistades o en un baile. Con una gran pregunta siempre presente en la cabeza de los guionistas: ¿hubieran sido amigos de sus padres? Zemeckis agregó recuerdos de su madre que cada vez que hablaba de su adolescencia decía poco y se mostraba intrigante. Una de las clave de la película es esa intromisión en el mundo paterno, esa especie de misión espía a la cotidianeidad que logra identificación inmediata con el espectador. No hay grandes y pomposos viajes al Imperio Romano, al Imperio Napoleónico ni a la Florencia de Leonardo. La aventura es más riesgosa e intrigante: una travesía por la juventud paterna.

La primera máquina en la que pensaron para enviar a Marty McFly al pasado era una heladera. Luego cambiaron por un gran cubo, una cámara donde estaba la máquina que permitía viajar en el tiempo, ubicado en la caja de una pick up. Pero todas esas opciones hacían complejo superar algunos obstáculos, ralentizaban su historia. Necesitaban una auto. El guión tuvo varias decenas de versiones y la máquina del tiempo decena de encarnaciones.

Steven Spielberg, una vez más, apoyó a la dupla. Sería uno de los productores. Ese respaldo hizo que aparecieran los últimos inversores. El presidente del estudio se mostró complacido con el proyecto pero detestaba el título. Propuso “Un astronauta en Plutón” porque sostenía que nunca había sido un éxito de taquilla un film con la palabra futuro en el título. Zemeckis intentó explicar infructuosamente que ese título no tenía nada que ver con su historia. Hasta que terció, una vez más, Spielberg: envió una carta al jefe del estudio dando por hecho que la propuesta del cambio de nombre sólo se había tratado de una broma, hasta felicitaba al ejecutivo por su sentido del humor. No se volvió a hablar del tema luego de la misiva. Y el proyecto conservó su título original.
Luego fue tiempo de elegir a los actores. Para el papel del Doc Brown las variantes eran varias y muy disímiles entre sí. Danny de Vito, John Lithgow, Dudley Moore y Jeff Goldblum fueron los principales candidatos. Pero el papel quedó en manos de Christopher Lloyd. El actor fue quien propuso que el doctor tuviera ese perfil alocado y sugirió que su peinado podía ser una marca del Doc, una mezcla de los desarreglos capilares de Albert Einstein y del director de orquesta Leopold Stokowski.

Para el papel principal tuvieron más dificultades. La primera opción era un actor televisivo que brillaba en una sitcom, Lazos familiares. Michael Fox tenía la energía, la jovialidad y la juventud que el director requería. Y podía aportarle a Marty McFly un aire entre inocente y pícaro. Pero las negociaciones no avanzaron. Los horarios rígidos del programa televisivo le impedían tomar el compromiso (una de las actrices del programa estaba embarazada y un mayor peso de protagonismo recayó sobre él). Ralph Maccio, la estrella de Karate Kid, fue el siguiente apuntado. Devolvió el guión desilusionado: “Va a ser un fracaso”, vaticinó. “¿Quién va a querer ver una película que trata de un chico, un auto y pastillas de plutonio?”. John Cusack fue otro de los candidatos. Pero el papel lo obtuvo Eric Stoltz, que venía de actuar con Cher en Máscara dirigida por Peter Bogdanovich; una joven promesa que parecía destinado a convertirse en la siguiente gran estrella.
El rodaje comenzó en fecha. Pero a la quinta semana, Zemeckis convocó a Spielberg y a su coguionista Bob Gale. La película tenía un grave problema: el actor principal no funcionaba. Para probar su punto les proyectó lo filmado hasta el momento. Stoltz le daba una impronta dramática, algo solemne a la historia. Y no estaba presente el aire de comedia que la película necesitaba. La disyuntiva era clara: seguir adelante con el perjuicio artístico que conllevaba; o cambiar al protagonista y volver a filmar muchas (la mayoría) de las escenas y encarecer el presupuesto en casi 4 millones de dólares.

Zemeckis tenía algunas cartas bajo la manga. Por un lado, sabía que ahora sí iban a poder contar con Michael Fox; por el otro recordó una charla con el jefe del estudio que fue quien más insistió para que el papel le fuera otorgado a Stoltz pese a los reparos del director: “Si no funciona, contratás otro y yo te doy la plata para las retomas”, dijo en el fragor de una reunión. Zemeckis citó a Stoltz y lo despidió. El director dijo que esa fue la decisión más dura que tuvo que tomar en sus años de Hollywood. Y, también, la más acertada de su vida profesional. Stoltz, actor del método y reconcentrado, había exigido desde los ensayos en ser llamado como su personaje. Cuando le comunicaron a Christopher Lloyd, el coprotagonista, que Eric había sido despedido, éste preguntó: “¿Quién es Eric? Todavía no filmé con él, ¿no?”. Lloyd estaba convencido que el actor se llamaba Marty igual que el personaje.

Estos cambios abruptos en medio de los rodajes, los aumentos de presupuestos, las demoras suelen ser un mal indicio dentro de la industria. La noticia llega a la prensa y el anuncio de desastre cierne su sombra sobre la película.

Pero en Volver al Futuro ocurrió lo contrario. Todo el equipo coincidió en que apenas Michael Fox filmó la primera escena todo empezó a fluir. Fox tenía el encanto, la juventud, la alegría, una cierta ingenuidad y el timing cómico que Marty Mac Fly requería. Además en cada escena con Chrsitopher Lloyd la química era evidente.

Que Michael Fox pudiera actuar en la película que lo consagraría como una estrella exigió que casi no durmiera durante unos cuantos meses. El compromiso era que debía seguir con el programa televisivo. A las 9 de la mañana lo pasaban a buscar por su casa y lo llevaban a grabar la serie. A las 5 otro chofer lo llevaba al set de Volver al Futuro. Así empezaba a filmar la película a partir de las 6 de la tarde hasta la madrugada, de ahí el regreso a su casa o un viaje directo hasta el canal. En el trayecto él aprovechaba para dormir un poco. “Al fin y al cabo era la edad para hacerlo: tenía 23 años”, cuenta Michael Fox en Lucky Guy, su libro de memorias.

Otra decisión de casting peculiar es la de los padres de Marty. Ambos actores eran más jóvenes que Michael Fox.
Los productores sabían que para la canción principal querían a Huey Lewis. Los atraía esa mezcla retro con el pop de los ochenta y el tono despreocupado y juguetón del cantante. Pero el músico nunca había trabajado para el cine. Y se negaba a escribir una canción sobre el futuro. Zemeckis le dijo que escribiera lo que quisiera, que no pensara en la película ni en su título. Huey Lewis volvió con The Power of Love, un éxito instantáneo, que encabezó los charts. El cantante hace, también, un cameo en la película: es el profesor que rechaza la banda de Marty porque tocan demasiado fuerte.

Otro personaje ineludible es el DeLorean. La elección fue bastante obvia para los creadores. Necesitaban un auto que en los cincuenta pareciera una nave espacial. Querían que cuajara con el chiste que ya habían escrito de la escena en el granero, el chico, la revista de historietas y la confusión. El DeLorean ganó la partida por sus puertas que se abrían hacia arriba, verticalmente, las alas de gaviota, que le daban un aire futurista.

El auto tiene su propio historia (que mereció algunas películas). Desarrollado durante una década por John DeLorean, un hombre que supo ser el Joven Maravilla de la industria automotriz, vendió sólo la mitad de las unidades que sacó al salir el mercado: unos 3.500. John DeLorean se involucró en un negocio de narcotráfico pasara intentar salvar a su empresa pero fue descubierto y encarcelado. El auto resultó un fracaso comercial y al momento de la filmación hacía dos años que había dejado de fabricarse. DeLorean, el fabricante, apenas se estrenó la película envió una carta de agradecimiento a Zemeckis; allí le decía que gracias a Volver al Futuro su creación no se perdería en el tiempo. Tuvo razón.

La película cuenta con varios publicidades encubiertas que permitían que ingresaran al presupuesto varios miles de dólares, una práctica que los estudios empezaban a poner en marcha a mediados de los ochenta. Gaseosas, estaciones de servicio, cereales. Ford ofreció 75 mil dólares para que el auto fuera un Mustang. Bob Gale, el coguionista, desechó la oferta con una frase que se hizo célebre: “El Doc Brown no se mueve en un maldito Mustang”.

Otro gran acierto es la nostalgia, la elección de los años cincuenta como momento al que Marty y el Doc viajan. La elección fue obvia. Era lo que necesitaban para que los padres del protagonista fueran adolescentes, para que estuvieran en su último año de secundaria. La recreación de ese tiempo, con todos sus clichés, con los detalles y con la nostalgia que siempre existe respecto a tres décadas atrás del momento en que uno se encuentra hicieron el resto. “En los cincuenta fue el momento de la explosión de los adolescentes, se convirtieron en una fuerza económica, compraban cosas, tomaban decisiones; los adolescentes se hicieron visibles. Eso también favoreció la identificación con nuestra historia”, contó Zemeckis.
El guión es una pieza de orfebrería. Por un lado acude a un tema clásico: el viaje en el tiempo. Por el otro incorpora novedades en cada escena, juega con las variables del cambio temporal y las consecuencias en el futuro, e incorpora un tema incómodo como el de la atracción de la madre por alguien que ella no sabe que es su hijo. El clímax es el beso en el auto, resuelto con elegancia. Ella se siente extraña, le dice a Marty que fue como besar a su hermano.

Los guionistas recurren constantemente a la cuenta regresiva. El tiempo se acaba: ese es el principal enemigo. El reloj de la plaza es el ejemplo más tangible, pero lo mismo sucede en otras ocasiones: la foto difuminándose, el encuentro de los padres, el regreso para evitar la muerte del Doc. Los guionistas lograron evitar la solemnidad en cada escena. La ágil puesta en escena de Zemeckis, el encanto liviano de Michael Fox y los gags diseminados por todas partes envuelven al espectador.

Algunas de sus frases se convirtieron en latiguillos que pasaron al habla popular. El “Mc Fly ¿Hay alguien ahí?” o “Adonde vamos no se necesitan rutas” que algunas vez utilizó el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan, quien es mencionado en la película a través de un chiste muy eficaz en el que un ciudadano en la década del cincuenta considera inverosímil que esa actor sin demasiado talento pueda alguna vez convertirse en presidente de su país. Dicen que cuando en una función privada le pasaron la película a Reagan, el presidente ordenó volver para atrás la cinta varias veces para escuchar de nuevo el chiste. En cada oportunidad se reía con más fuerza que en la anterior.

El estreno estaba previsto para agosto de 1985. Pero la recepción en las proyecciones previas fue tan entusiasta que el estudio decidió adelantarle para el principio de julio. Debían aprovechar las vacaciones, la temporada alta. Tenían en sus manos un hit impensado de un director sin demasiados antecedentes y un elenco en el que no había ninguna estrella, con un argumento un poco improbable, difícil de explicar en una línea. Pero el público reaccionaba extasiado.
Volver al Futuro fue la película más taquillera de 1985 . Una bomba. Recaudó casi 400 millones de dólares en todo el mundo; el costo había sido de 14 millones. Rambo, Rocky IV, Cocoon, Los Goonies (otra película entrañable), Out of Africa, Testigo en Peligro, el Color Púrpura o Comando fueron algunos de los títulos que fueron superados por el film de Zemeckis.

Luego, Volver al Futuro se convirtió en saga. Un sistema novedoso de rodaje: se filmaron las dos simultáneamente para ahorrar en presupuesto y para reunir al elenco una sola vez. Las tres recaudaron casi mil millones de dólares (eran épocas en las que las secuelas recaudaban un poco menos que las originales: al revés que en la actualidad en que las distintas maneras de reproducción sólo hacen crecer el público potencial de una franquicia).

La película atravesó generaciones. Superó sus propias ambiciones. Casi como una paradoja consiguió lo que sus personajes buscaban en la ficción: ganarle al tiempo.

La organización que celebra los premios Oscar invitaron a profesionales de diferentes áreas: Alejandro Carrillo Penovi, Juan Pablo Zaramella, Alberto Moccia, Oscar Grillo, Javier Braier y Leandro Estebecorena.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas invitó a unirse a la organización a 819 artistas y ejecutivos que se han distinguido por sus contribuciones al séptimo arte. Dentro de esta convocatoria, figuran los argentinos Oscar Grillo, Juan Pablo Zaramella, Javier Braier, Alberto Moccia, Leandro Estebecorena y Alejandro Carrillo Penovi.

David Rubin, el presidente de la institución que se encarga de organizar los premios Oscar, remarcó la importancia de sumar profesionales diversos: “La Academia está encantada de dar la bienvenida a estos distinguidos compañeros de viaje en el cine. Siempre hemos abrazado el extraordinario talento que refleja la rica variedad de nuestra comunidad fílmica global, y nunca más que ahora”.

De esta manera, convocaron a 819 artistas y ejecutivos de 68 países diferentes. El 45% son mujeres, el 36% son de “comunidades étnicas y raciales infrarrepresentadas”, y el 49 % no proceden de los Estados Unidos. Quienes acepten formar parte de la Academia tendrán una membresía en la institución durante este 2020.

La representación argentina está integrada por Leandro Estebecorena, experto en animación digital nominado al Oscar por los efectos visuales de El Irlandés y Kong: la Isla Calavera; Alejandro Carrillo Penovi, editor nacido en México pero afincado en Argentina, que ha trabajado en La odisea de los giles y El Clan; los animadores Juan Pablo Zaramella (Luminaris y The Glove) y Oscar Grillo (Monsters, Inc. y Monsieur Pett); el director de casting Javier Braier (The Two Popes y Wild Tales); y el maquillador y estilista Alberto Moccia (Zama y The German Doctor).
También fueron convocadas actrices de origen latino como Eva Longoria, Ana de Armas, Yalitza Aparicio y Yul Vazquez. En cuanto a cineastas y guionistas se encuentran los mexicanos Felipe Cazals, Michel Franco y Luis Estrada; el ecuatoriano Sebastián Cordero; los colombianos Alejandro Landes y Jorge Alí Triana; los chilenos Andrés Wood, Bettina Perut, Iván Osnovikoff y Paola Castillo; los brasileños Vincent Carelli y Otto Guerra, y la paraguaya Paz Encina, entre otros.

La Academia anunció recientemente la próxima fase de su iniciativa de equidad e inclusión, Academy Aperture 2025, que fomentará los esfuerzos continuos de la organización para avanzar en la inclusión en la industria del entretenimiento y aumentar la representación dentro de su membresía y la gran comunidad cinematográfica.

Por la crisis del coronavirus, la gala de los Oscar de 2021 fue postergada para el 25 de abril de 2021. Además, el próximo 28 de febrero es la fecha límite de estreno para las películas que quieran ser candidatas. Las nominaciones se anunciarán el próximo 15 de marzo.

“Nuestra esperanza al extender el período es proporcionar la flexibilidad que los cineastas necesitan para terminar y lanzar sus películas sin ser penalizados por algo que está fuera del control de nadie”, dijo David Rubin. Con una extensión de dos meses, los estudios tendrán tiempo adicional para terminar sus películas y retrasar las fechas de lanzamiento sin sacrificar sus posibilidades de competir por un Oscar.

La organización ya modificó recientemente sus normas para próxima gala ante la pandemia de coronavirus y admitirá, de forma excepcional, la candidatura de películas que no hayan sido proyectadas en cines. Asimismo, la apertura del nuevo Museo de la Academia de Hollywood en Los Ángeles no abrirá sus puertas hasta el 30 de abril del año próximo.

El periodista ingresó con un cuadro de sepsis y neumonial al Sanatorio de los Arcos en la mañana del miércoles. Permanece internado en terapia intensiva.
Samuel «Chiche» Gelblung, de 76 años, continua internado en terapia intensiva en el Sanatorio de los Arcos, en el barrio de Palermo, desde el miércoles por la mañana, y su estado de salud sería levemente mejor.

Un nuevo parte de la familia difundido este mediodía aseguró que «reaccionó bien a la medicación que fue administrada por el personal médico durante la noche».

Desde la clínica explicaron que «tiene una infección en la pierna y está tratado con antibióticos. Tanto el electrocardiograma y las resonancias dieron de forma positiva».

Los médicos que lo asisten también indicaron que le realizaron un electrocardiograma y una resonancia magnética, y que ambas arrojaron resultados positivos. Por eso pueden afirmar que el conductor “está estable, dentro del cuadro de salud delicado”.

En las últimas horas del miércoles, InfoVeloz -medio digital que el periodista dirige-, había informado que Gelblung su estado era «crítico» por el «cuadro de sepsis y neumonía».

«No tuvo un cuadro de ACV como se dijo ni un infarto», informó el portal, en referencia a algunos trascendidos mediáticos que indicaban que Chiche había sufrido un accidente cerebro vascular.

 

Ángelo de contó que recibe propuestas sexuales por Twitter. «Trato de tomarme todo con humor. Es muy fuerte», manifestó tras la eliminación del reality que sufrió el último domingo.

En la última emisión de Bake Off fue el turno de Ángelo de abandonar el reality, conducido por Paula Chaves. El participante quedó afuera de la competencia de Telefe.

Ya eliminado, el entrerriano contó cómo cambió su vida a partir del programa e hizo una llamativa revelación. «La realidad es que es demasiado nuevo para mí, ver cómo me aumentaron los seguidores en redes, no lo puedo creer. Yo mando un tweet medio polémico y la gente en eso se prende», comenzó en Por si las moscas, por La Once Diez.

«Me llegan propuestas eróticas o sexuales y yo me río. Trato de tomarme todo con humor. Es muy fuerte», continuó Ángelo, divertido. «Mi mejor momento fue el día del arroz con leche, pero el peor que fue cuando hicimos la torta con flores y me quedó horrible, hubo memes que me hicieron pasar vergüenza por Twitter», completó el joven.

El actor, que estaba peleando contra el cáncer de próstata, falleció este jueves después de sufrir una descompensación en medio de una intervención quirúrgica.

La información conmocionó tanto al mundo de la farándula como a sus seguidores. En la tarde de este jueves, murió Gustavo Guillén. El actor, de 57 años, venía realizando un tratamiento contra el cáncer de próstata del que muy pocos estaban al tanto. Y, según trascendió, habría fallecido mientras era sometido a una intervención quirúrgica en la ciudad de La Plata, donde residía actualmente. La triste noticia fue confirmada a Teleshow por la Asociación Argentina de Actores.

Nacido el 30 de junio de 1962 en Buenos Aires, Gabriel Gustavo Dasso -tal su verdadero nombre- se hizo famoso a fines de los ochenta gracias a su trabajo en distintas telenovelas. Su debut televisivo había sido con el personaje de Coco Medina en La cuñada, tira protagonizada por María Valenzuela, Daniel Fanego y Gustavo Garzón en 1987. Y, desde ese momento, los productores no pudieron dejar de reparar en él.
Sin embargo, aunque tenía el physique du rol de galán, Gustavo siempre agradeció que el público no lo encasillara en ese lugar y que, por el contrario, destacara su trabajo de actor. Pero, por sobre todo, celebró que sus convocatorias fueran constantes. Participó de Sin marido (1988), Amándote II (1990), Manuela (1991), Perla negra (1994), Dulce Ana (1995), Los ángeles no lloran (1996), Ricos y Famosos (1997), Muñeca Brava (1998), Chiquititas (2000), 099 Central (2002), Mil millones (2002), La niñera (2004), Casados con hijos (2006), Collar de esmeraldas (2006), Solamente vos (2013) y Quiero vivir a tu lado (2017), entre otras tiras.

Guillén también tuvo su destaque en teatro con obras como Asesíname dulcemente (2008) y La lengua de los amantes (2011). Y, en el año 2007, se animó a formar parte del Bailando por un sueño, donde hizo de pareja de Abigaíl Pereira.

En los últimos tiempos, sin embargo, el actor fue noticia por conflictos con su ex mujer, Luciana Abelanda, quien lo denunció por violencia de género. Guillén, en todo momento, negó las acusaciones de la madre de su hijo menor, Pedro (3), con quien se había casado el 29 de diciembre de 2013 después de cuatro meses de noviazgo. Y dijo que solo se había tratado de una discusión de pareja que había subido demasiado de tono. Pero reconoció que, este hecho, lo había afectado laboralmente.

Hasta días antes de que comenzara a regir la cuarentena obligatoria por el coronavirus en todo el país, Gustavo estaba al frente de un ciclo llamado Todo un clásico, que se emitía todos los jueves de 20 a 22 hs. en FM 87.9, Radio Única de La Plata. Pero, con el inicio del confinamiento social, el programa se vio interrumpido.

Guillén también tuvo que suspender las presentaciones que venía haciendo junto a Adrián Suárez y Martín Aldano, con quienes había formado la banda de rock Fuera de peligro, que recreaba temas de los años 70, 80 y 90. De la misma manera, había tenido que dejar de lado los talleres de actuación que venía dictando por distintas ciudades del país, para así poder cumplir con su aislamiento.
En los últimos días, el actor había subido varios posteos hablando de esta extraña etapa de pandemia. En unos señalaba cuánto extrañaba a Valentino (16), su hijo mayor, con quien compartía la pasión por la música. Y en otros filosofaba sobre la crisis que hoy afecta al mundo entero a causa del COVID-19.

«Tiempos de Cambio. Momento trascendental en la historia de la humanidad. Él llegó para quedarse un rato largo. Nada será como lo tenías pensado, organizado o deseado. Todo cambiará si realmente te lo propones, sin miedos, sin prejuicios, siendo más humanos y solidarios. ¡Esto también pasará!, había escrito Guillén hace apenas dos meses.
En su comunicado, la Asociación Argentina de Actores, a la que Guillén estaba afiliado desde el año 1987, lo despidió destacando sus tres décadas de trayectoria y le brindó sus condolencias “a sus familiares, amistades y a quienes compartieron su trabajo actoral”.

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Tenía 71 años. Durante una función, piso mal sobre el escenario y se precipitó sobre el foso de orquesta, en un teatro de Tucumán. Tras varias semanas internado allí, fue traslado a la clínica de rehabilitación Alcla, en Palermo

Sergio Denis murió en la mañana de este viernes 15 de mayo en la clínica de rehabilitación Alcla, a los 71 años. El 11 de marzo de 2019 había sufrido un grave accidente en medio de un show en el Teatro Mercedes Sosa, de Tucumán, del cual nunca pudo recuperarse, hasta que llegó este desenlace que su hijo, Federico Hoffmann, terminó confirmando. “Hasta siempre viejo. Gracias por tanto. Todos los que te queremos de verdad”, escribió en las redes sociales.

Aquella noche de sábado, Denis se disponía a cantar su clásico “Te llamo para despedirme” cuando, luego de haber caminado entre las butacas, subió al escenario. Pero en un mal paso, se desplomó: cayó en el foso de orquesta de casi tres metros de profundidad, y fue trasladado de urgencia al hospital Ángel C. Padilla.

Tras sufrir múltiples contusiones, ingresó a la guardia del hospital de la institución a las 21.45. Se le realizaron tomografías de cerebro, cuello, tórax, abdomen y pelvis. Los primeros informes médicos señalaron que el artista tenía “hematomas cerebrales, múltiples contusiones, una hemorragia, un importante edema cerebral, una fractura del hueso temporal en la cabeza y una fractura al nivel de la clavícula y el omóplato”. Olga Fernández, directora del Padilla, habló de «un cuadro grave con pronóstico reservado”.

Ese mismo día Nora Hoffman, hermana del intérprete de “La vida vale la pena” o “Te quiero tanto”, pidió una cadena de oración. Sergio, dijo, estaba “más en manos de Dios que de los médicos”.

Con el paso de los días Denis fue evolucionando favorablemente. Entre algunas de las mejoras, se disminuyó el edema cerebral y respondió ante algunos estímulos, abriendo los ojos y moviendo el cuerpo. Le retiraron la sedación, a la espera de que se despertara. Permaneció internado en la unidad de terapia intensiva del hospital tucumano hasta el sábado 13 de abril, cuando fue trasladado a la Ciudad de Buenos Aires.

Recién dos días después la institución ubicada en Palermo emitió un nuevo parte médico en el que los médicos afirmaban que el estado general del músico era “crítico”, luego de que se le realizaran dos intervenciones quirúrgicas en esas últimas horas. “Una, para evacuar un derrame pleural complejo que comprimía parte del pulmón derecho, y otra de abdomen, por un proceso infeccioso intestinal grave», se precisó.

El coronavirus cambia también al Oscar, que este año podrá tener como postulantes también a las películas que se estrenan por streaming sin haber pasado por las salas, de acuerdo a lo dispuesto por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

A través de un comunicado, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas expresó el martes su convicción «invariada e irremovible» acerca de que «cree firmemente en el hecho de que no hay modo mejor de experimentar la magia de las películas que verlas» en pantalla grande.

Pero debido a los tiempos que corren y de acuerdo a una información brindada por Ansa, «la pandemia de Covid-10 requiere esta excepción temporal», afirmó en un escrito.
Así, este año podrán postularse películas que se estrenen por streaming sin haber pasado por las salas.

 

El actor y humorista Marcos Mundstock, figura clave del icónico grupo Les Luthiers, murió este miércoles a los 77 años, según confirmaron oficialmente.

«Después de más de un año de lidiar con un problema de salud que se tornó irreversible, Marcos, nuestro compañero y amigo, finalmente partió. De ahora en más, cada uno de nosotros deberá empezar a transitar el doloroso camino de aprender a convivir con su ausencia», señala el comunicado.

Mundstock, era oriundo de Santa Fe; fue uno de los miembros originales del reconocido grupo musical-humorístico Les Luthiers, creado en 1967 por Gerardo Masana. Primero fueron un septeto, y en 1973, con la muerte de su fundador, continuaron como sexteto hasta la deserción de Horacio Acher, en 1986. En agosto de 2015, sufrieron la lamentable y dolorosa pérdida de Daniel Rabinovich, emblemático integrante desde su fundación. Asimismo otro de los miembros históricos, Carlos Núñez Cortés decidió retirarse en septiembre de 2017. Actualmente estaba integrado por Carlos López Puccio, Jorge Maronna, Marcos Mundstock, Martín O’Connor, Horacio Turano y Tomás Mayer-Wolf. Este miércoles,  despiden a su compañero Marcos Mundstock quien durante 50 años, marcó al grupo con su voz y su ingenio únicos e inconfundibles.

Comunicado completo tras la muerte de Marcos Mundstock:

«Después de más de un año de lidiar con un problema de salud que se tornó irreversible, Marcos, nuestro compañero y amigo, finalmente partió. De ahora en más, cada uno de nosotros deberá empezar a transitar el doloroso camino de aprender a convivir con su ausencia. Pero no hoy. Pensar hoy en partidas o ausencias nos resulta demasiado triste. Hoy preferimos evocar todo lo que Marcos nos brindó y conservaremos con nosotros para siempre. Nos quedará el recuerdo de su voz, única e inconfundible. Y de su presencia sobre el escenario, con su carpeta roja y frente al micrófono, que cautivaba al público antes de decir una sola palabra.Nos quedará su profesionalismo. Su autoexigencia, su ética de trabajo y su respeto extremo por el público, valores que todos compartimos y que él defendió desde el momento de la creación misma de Les Luthiers. Nos quedará el recuerdo de su compañerismo, tanto en lo profesional y en lo personal. La inteligencia de sus comentarios y su respeto por las opiniones ajenas, aún en la disidencia. Nos quedarán grabados los aprendizajes compartidos que hicimos a lo largo de tantos años. Los lugares del mundo que descubrimos juntos. La sorpresa que compartíamos cada vez que Les Luthiers dada un nuevo salto y llegaba más y más lejos. Nos quedará el recuerdo de sus chistes cotidianos, rápidos y asombrosamente ingeniosos, listos para brindarnos una chispa de alegría en todo momento, en las buenas y en las malas.Nos quedarán tantas cosas de Marcos, que aun en medio de la tristeza y el dolor que estamos viviendo, no podemos dejar de agradecer a la vida, y de sentirnos privilegiados de haber recorrido con él todo este tramo del camino.»

Les Luthiers

 

Desde la Asociación Argentina de Actores confirmaron la muerte del cantante, músico, actor y compositor. Fontova tenía cáncer.

 

A los 73 años murió el músico y actor Horacio Fontova. Su deceso se produjo este lunes a la mañana en el Sanatorio Finochietto de la ciudad de Buenos Aires, donde se encontraba luchando contra un cáncer.

“Lamentamos informar el fallecimiento de nuestro querido compañero Horacio ‘El Negro’ Fontova, después de pelear durante años, como el guerrero que siempre fue, con una enfermedad”, publicaron desde la cuenta de Instagram del Instituto Nacional de la Música.

“Para el INAMU es tremendamente doloroso despedir a nuestro hermano y compañero de tantas luchas y alegrías. Nunca vamos a terminar de agradecerte tanto compromiso con la música y con las causas justas y nobles”.

El Negro -como se lo conocía en el medio artístico- hizo reír a una generación en televisión junto a Jorge Guinzburg, y sus ilustraciones en la revista El Expreso Imaginario son recordadas por su vuelo. Como actor ganó dos Martín Fierro con el personaje de Sonia Braguetti en el programa Peor es nada, uno como “Revelación” y otro como “Mejor Actor Cómico”. En 1998 creó y protagonizó el programa de humor Delicatessen con el elenco integrado de Diego Capusotto, Fabio Alberti y otros humoristas argentinos, que se transmitía por América TV.

En la música, su momento de mayor exposición fue con Fontova y sus Sobrinos, en los 80, gracias a la canción “Me siento bien”. Sin embargo, su trayectoria había empezado antes, con bandas como Patada de Mosca y el Dúo Nagual, y antes del éxito había armado Fontova y La Foca y Fontova Trío. Pasó por períodos en los que investigó el folklore argentino, aunque su mayor suceso lo consiguió con los ritmos caribeños, a los que les agregaba su humor.

En una entrevista con Teleshow, Fontova se mostraba escéptico en cuanto a la televisión actual. “Lamentablemente, las cosas han cambiado para mal. Fijate vos que ya no existen más programas como el que hacíamos con el petiso querido Guinzburg, como el que hacía Olmedo, o La tuerca, o los uruguayos Telecataplum. Me parece que es una cuestión de inversiones: hoy todo se reduce a la tarasca y a la transa. Pintó así la cosa, y ha cambiado mucho”, sentenció.

También actuó en las obras de teatro Porteños, Orquesta de Señoritas, Malos hábitos, entre otras, y ya para el 2004 concretó la unificación de su gusto por el teatro, la música lírica, el canto y el humor, protagonizando la zarzuela La corte de Faraón con su interpretación del personaje del Casto José, actuación que se llevó todos los aplausos.

En cine protagonizó El regreso de Peter Cascada y formó parte de los elencos de La Peste, Adiós querida luna y de ¿De quién es el portaligas?. En radio condujo junto a Pedro Saborido y a Coco Sily el programa Código de Barras en Radio La Red. En el año 2002 presenta Fontovarios, un espectáculo musical y humorístico en el Teatro Ateneo con dos músicos invitados, Liliana Herrero y Daniel Melingo.

Con el álbum Fontova-2004-NEGRO obtuvo el Premio Carlos Gardel 2005 en el rubro Mejor Álbum Artista Canción Testimonial, y lo presentó en el Teatro Alvear junto a José Ríos en bajo, Martín González en batería, y artistas invitados: Lito Vitale, León Gieco, Skay Beilinson, Liliana Herrero, Peteco Carabajal, Liliana Vitale, Martín Bianchedi, Gerardo Gardelín, Richard Nant, Hugo Newman, Daniel Melingo, Daniel Maza, Esteban Morgado y Juan Belvis. En el año 2005 se editó su primer libro de cuentos Témpera Mental por Editorial Sudamericana.

En 2006 ya con su nueva banda, junto a Peteco Carabajal presentó Peteco-Fontova en La Trastienda. En el 2010 volvió a sus orígenes musicales y como solista, homenajeó a grandes autores de la música universal con nuevas composiciones. En ese mismo año, actuó en la película Aballay, el hombre sin miedo dirigida por Fernando Spiner. Y en 2013 fue parte de la primera película animada en 3D argentina, Metegol, dirigida por Juan José Campanella.

 

 

El futbolista criticó la decisión de su ex pareja de regresar a su casa en el país que ya superó los 100 mil casos positivos de coronavirus.

Son días muy difíciles para Maxi López. No solo por la situación que está viviendo Italia, en donde la cantidad de casos positivos de coronavirus llegó a los 97 mil y las víctimas fatales ya son más de 10 mil, sino por la distancia que lo separa de sus hijos. Se sabe, la relación entre el actual futbolista del FC Crotone y Wanda Nara no es para nada buena, y el régimen de visitas por los tres hijos que tienen en común suele ser un tema de discusión y conflictos legales. En estas circunstancias el tema es más delicado aún.

Así lo demostró Maxi el viernes pasado, cuando subió una foto con sus pequeños, Valentino, Benedicto y Constantino, y un texto a modo de reclamo porque Wanda, según su versión, no le permite hablar con ellos. “Extraño apretar y besar a mis niños, mucho… Así que, mamá, ponete las pilas y devolveles sus teléfonos así papá puede hablar todo el día como lo veníamos haciendo, que en estos momentos de la vida necesitamos estar todos unidos más que nunca”.

Pero el tema no terminó ahí. Sucede que Wanda se encontraba en París junto a los tres hijos que tiene con Maxi López, además de Mauro Icardi y las dos niñas que tiene con él (Isabella y Francesca). El joven juega en esa ciudad, en el PSG, y durante el año -en circunstancias normales- la modelo y sus niños viajan con regularidad de Francia a Milán, donde tienen su casa, la mayoría de sus actividades y sus afectos.

Y ante la sorpresa de todos sus seguidores, en medio de la pandemia que tiene como epicentro a Italia, Wanda viajó con sus cinco hijos de regreso a su casa en Milán. La propia mediática publicó fotos de los niños jugando y compartiendo momentos con su abuelo en la imponente propiedad familiar.

Esta decisión enfureció a Maxi López, quien se manifestó en su cuenta en Instagram. “Me gustaría saber bajo qué criterio rompés una cuarentena de una pandemia mundial, donde a todo el mundo se le pide no salir, y exponés a nuestros hijos a un viaje de un país a otro, te movés y te vas al epicentro del contagio (Lombardía) en Italia, sin importante ningún tipo de consecuencia”, le consultó a su ex esposa, sin mencionarla.

“¿Qué se te pasa por la cabeza en estos momentos, cuando lo más sagrado que tenés en el mundo es la salud de nuestros hijos? Me indigna que no tomes conciencia. Si no querés hacerlo por vos, hacelo por ellos que hoy sos madre de cinco criaturas, pero parece que no te diste cuenta”, concluye la publicación.

Wanda todavía no se ha manifestado públicamente ante los fuertes reclamos de Maxi López. Lo cierto es que Italia alcanzó este domingo los 10.779 muertos a causa del coronavirus, lo que supone 756 fallecimientos en las últimas 24 horas, y se registró un pequeño aumento de los contagiados, según informó Protección Civil. El número total de personas infectadas actualmente son 73.880, 3.851 más que ayer, mientras que el viernes el aumento había sido de 3.651, y en total se ha llegado a los 97.689 contagiados desde el pasado 20 de febrero cuando se detectó el primer caso.

El balance de este domingo se distingue por el descenso de nuevos casos en Lombardía: 1.592 frente a los 2.117 de ayer, para un total de 41.007 afectados en esta región italiana, la más sacudida por el virus, donde han fallecido 416 personas en las últimas horas.

“O estamos en lo más alto de la curva o estamos muy cerca. Por tercer día consecutivo, los números permanecieron constantes. Ya no vemos el crecimiento que nos ha acompañado en las últimas semanas”, ha declarado el presidente de la región de Lombardía, Attilio Fontana. “No quiero decirlo en voz alta, pero ahora mismo tengo una esperanza más”, ha añadido.

 

 

Se llevará a cabo el próximo domingo 5 de abril a partir de las 18 horas para ayudar a los sectores más necesitados frente a la pandemia del coronavirus, a través de Cruz Roja Argentina.

El próximo domingo los canales de televisión abierta se unirán en una transmisión única con un objetivo en común: brindar la oportunidad a los argentinos de juntarnos en una misma voz solidaria frente a la pandemia del coronavirus que hasta momento en nuestro país provocó 19 muertes sobre un total de 745 casos confirmados.

El especial llevará el nombre de Unidos por Argentina y es una iniciativa de Fabiola Yáñez, primera dama y presidenta honoraria de la Fundación Banco de la Nación Argentina, para ayudar a los sectores más necesitados a través de Cruz Roja Argentina. Con lo recaudado se podrá adquirir los insumos necesarios para hacerle frente al COVID-19 y donarlos a los hospitales que cuidan la salud de todos los argentinos.

Un evento histórico que se emitirá de manera simultanea el domingo 5 de abril a las 18 horas que contará con la participación de las principales figuras de América, Televisión Pública Argentina, Net TV, El Nueve, Telefe y El Trece. Las personalidades más destacadas de la cultura, la salud y el deporte, del ámbito nacional e internacional, también serán parte de esta convocatoria sin precedentes, que invita a colaborar y crear conciencia colectiva sobre la pandemia que nos afecta a todos.

En los últimos días, con la expansión del coronavirus varios programas de televisión debieron adaptarse a las nuevas medidas de seguridad y tomaron los recaudos necesarios para evitar un posible contagio, es por eso, que en esta oportunidad, las plataformas digitales de cada señal serán claves para la participación e interacción con el público a través del hashtag #UnidosPorArgentina.

A partir de la cuarentena obligatoria decretada por el Presidente el pasado jueves 19 de marzo, los cambios en la televisión se profundizaron. Si bien los medios de comunicación y periodistas quedan exentos de esta medida, en la mayoría de los programas se tomaron ciertos recaudos para cumplir con el decreto y, también, dar ejemplo a sus televidentes.

Debido a la gravedad del asunto y a las medidas de prevención que se fueron anunciando, todos los ciclos se vieron obligados a cambiar no sólo su agenda sino también su propia esencia o estructura. En este marco, los conductores que entran en el denominado “grupo de riesgo” por edad o por antecedentes médicos, también tomaron recaudos. Aparecen vía Skype desde su casa o han salido de la pantalla por el momento.

 

El actor, que está aislado por precaución, cuestionó: “Los números oficiales no son reales. No representan ni un 5% de los afectados reales que andan por la calle”.

El Chino Darín es una de las tantas personas que tomó la decisión de permanecer en su casa en cuarentena preventiva, luego de la llegada de su novia, Úrsula Corberó​, proveniente de España, uno de los países más afectados por el avance de la pandemia de coronavirus (Covid-19).

Ambos decidieron aislarse por precaución desde el pasado martes 10 de marzo, día que arribó al país la actriz española.

«Estoy en cuarentena preventiva desde hace días con @ursulolita que viajó desde Madrid el martes. Nos sentimos bien pero seguiremos el protocolo de aislamiento. Me estoy informando mucho y creo que todos deberíamos hacer algo en Argentina», publicó Darín en su cuenta de Twitter.
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Además, el actor en una seguidilla de tuits mostró su preocupación y brindó una serie de recomendaciones.

Chino Darín contó que está en cuarentena junto a Úrsula Corberó. En Twitter.

«La información que llega de España e Italia es realmente alarmante. El problema es la rápida propagación del virus. Llevamos unos días/semana de ventaja con respecto a ellos y el tiempo parece ser la clave para que muera la menor cantidad de gente posible. El momento es ahora», afirmó.

Y siguió: «Los números oficiales NO son los casos reales. No representan ni un 5% de los afectados reales que andan en la calle. El largo período de incubación hace que los detectemos siempre tarde. Todos podríamos estar infectados ahora mismo sin saberlo. Amigos, vecinos, etc. Cuídense».

El hijo de Ricardo Darín dejó en claro que lo más importante «es cuidar a los demás». «Este virus es un llamado a la solidaridad», señaló.

Y agregó: «Cuidemos a la población vulnerable. No es joda lo que se viene pero depende de nosotros. Organícense, sigan las medidas y tómenselo en serio. Las mejores decisiones se toman con calma».
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Luego, Darín opinó de las medidas que viene llevando adelante el gobierno de Alberto Fernández​: «Concuerdo con las medidas que está tomando el gobierno pero creo que deberían extremarlas cuanto antes. Entiendo los problemas para ponerlas en práctica. La economía es y será un problema de todas maneras.

 

«Que no cunda el pánico. No hagan NADA que no sea fundamental. No vayan al médico x cualquier pelotudez. Dejemos lugar a los pacientes graves, son los menos pero sus vidas dependen de la asistencia médica. Seamos solidarios y cuidemos a los mayores! Higiene y aislamiento», recomendó.
En otro de los mensajes en Twitter, sumó: «Honremos la odisea que están por encarar nuestros trabajadores de la salud. Esto está pasando ahora. Extremen las medidas y tomen todos los cuidados. No esperes a que te prohíban las cosas. El compromiso es personal y social. Este mensaje va especialmente dirigido a la juventud».

Finalmente, concluyó: «Si te sentís mal, llamá a un médico pero no vayas a guardias y hospitales. Seguí sus indicaciones. ¡Evitá la propagación! Si es leve, lo superás en casa y le dejas un lugar a alguien que sí necesita atención hospitalaria. Le podés salvar la vida a una persona».

Fue este domingo a los 80 años y tras sufrir recaída por un ACV. Así lo confirmó su ex pareja María Eugenia Zorzenón.
Emilio Aldo Desiderio Velasco, más conocido como Sergio Velasco Ferrero, murió este domingo a la tarde a los 80 años. Según pudo saber Teleshow, el locutor se encontraba en su domicilio cuando se descompensó. Fue trasladado de urgencia a un centro médico pero los profesionales no pudieron evitar el fallecimiento del famoso conductor.

Velasco Ferrero había sufrido un ACV en julio del 2010 y nunca pudo recuperarse. A raíz de este hecho perdió el control de sus extremidades, sus órganos empezaron a fallar y padeció a su vez problemas neurológicos que le afectaron el habla. Tras sufrir este problema de salud tuvo que ser sometido a una intervención para descomprimir su cerebro por lo que fue inducido a un coma farmacológico con respiración asistida.

Nacido en el departamento de Constitución, en la provincia de Santa Fe, construyó una extensa carrera en los medios y tuvo su pico de popularidad en el ciclo televisivo Venga a Bailar (Canal 7), que marcó altos picos de rating durante los años que estuvo al aire, entre las décadas del ’80 y ’90. En la pantalla chica también condijo El Show de Velasco Ferrero en 1977, dirigido por Rubén Toledo.

También se destacó por su voz en diversos ciclos en radio, como Sonido desde la Costa por Radio Rivadavia (1983). Asimismo, tuvo una larga trayectoria en Radio Mar del Plata. En Mendoza hizo los programas Música para tu piel de verano y La almohada maldita.

Se dio el lujo de incursionar como actor en teatro. Velasco Ferrero trabajó en la comedia Esconde el Draculín en 1978 en el Teatro Astros, con figuras como Jorge Porcel, Alberto Olmedo, Ethel Rojo, Susana Traverso, Mario Sapag y Tato Cifuentes.

Durante la época del ’80 sufrió la proscripción por parte del gobierno de Raúl Alfonsín. Por ello en 1984 viajó a New York, Estados Unidos, donde filmó dos espectáculos basados en Venga a bailar.

En cine tuvo varias incursiones, siempre con el género de la comedia. Debutó en 1971 con El veraneo de los Campanelli junto con Alberto Anchart, Santiago Bal y Adolfo Linvel. Y se despidió con Atracción peculiar, en la última película protagonizada por el dúo Jorge Porcel y Alberto Olmedo en 1988.

Ferrero compartió diez años de su vida junto a la actriz y ex vedette Claudia Lapacó, con quien representó varios espectáculos de Café Concert: Ódienme o Quiéranme, Payasadas, Sexi-bon, Velasco Presidente, Mundialito Show, entre otros. En octubre de 1982 se casó con la actriz Adriana Salgueiro, con quien estuvo cuatro años en pareja.

Luego su imagen se vio afectada por sus presentaciones judiciales, surgidas por problemas maritales con la ex mediática y abogada María Eugenia Zorzenón, con quien tuvo a su hija la actriz e ingeniera industrial Camila Velasco. Sus hijos mayores son Marcele e Iván Velasco.